Ícones de estilo: o estilo não está à venda
... infelizmente não. A cantora viciada em heroína é tão pouco ícone de estilo quanto Madonna "se reinventa". Todas essas mulheres apenas trocam muito de roupa. O termo "ícone de estilo" é abusado de maneira inflacionária porque enobrece o gosto e a roupa pode ser um mercado extremamente lucrativo.
Mas, ao contrário da moda em que as roupas, na melhor das hipóteses, dizem, o estilo é como um romance. Ele quer ser lido e vivido, é visível, uma auto-afirmação constante. Como o homem que o inventa, o estilo é um original, e quando ele se torna mundialmente famoso, ele faz de seu criador um ícone. Para o ícone de estilo. Moda em mulheres como Iris Apple, Zandra Rhodes, Mary Quant ou Barbara Hulanicki Por trás dos rostos e da aparência externa, pode-se sempre sentir uma atitude: a ideia que essas mulheres têm de si mesmas, do mundo, é palpável, entusiasmada, infectada. Eles inspiraram uma geração e mais com sua criatividade e coragem para fazer e transportar como quisessem.
Barbara Hulanicki: "Minha vida é um filme".
Barbara Hulanicki inventou a marca Biba, mas na verdade, a marca não se importou. O que realmente importava eram as armadilhas. A atitude. Biba era "estilo de vida" muito antes de esse termo existir.
Nascido em Varsóvia, Hulanicki fundou a Biba em Londres em 1964 como despachante de correspondência para moda muito barata. Com sucesso. O transporte se transformou em uma cadeia de butiques, e no auge de seu sucesso, a Biba era uma loja de departamentos de vários andares, um parque de aventuras com clientes do rock dos anos 70 e da elite de Hollywood. Foi sobre encenação.
Em Biba, o lema era: "Oscar Wilde vai para Glamrock". Penas de avestruz foram vendidas. Água de rosas. Scimitar. cobertores estampa de leopardo. Calças feitas de veludo roxo. Vestidos élficos até o chão feitos de seda pintada. Espelho emoldurado de ouro. querubins bronze. Móveis de laca chinesa. Na vitrine havia sofás para os clientes, para que pudessem ver os transeuntes. Quando os lábios de maquiagem de Biba eram azuis e marrons. Pregos violeta e preto. As mulheres usavam botas de camurça, mini vestidos e jaquetas maxi. Tudo do Biba. Biba era a mercearia dos Setenta. Tudo foi permitido. Épocas e disciplinas: caligrafia e literatura romântica, misticismo e maneirismo. O único critério: a harmonia total. Nessa maravilha, Marc Bolan, do T Rex, Jimi Hendrix e Marianne Faithfull, sentiam-se em casa como a garota de livros de histórias de Manchester, que sonhava com Avalon e comia biscoitos ecológicos.
Quando Biba quebrou em 1975, Barbara Hulanicki mudou-se de Londres para o Brasil. Hoje ela vive como designer de interiores em Miami. "Minha vida é um filme", ela disse uma vez. Biba em si está muito longe. Seu estilo de vida permaneceu.
Zandra Rhodes: "Eu não suporto ser comparado."
O designer de calçados Manolo Blahnik certa vez se perguntou sobre a inglesa Zandra Rhodes. Ele não conseguia entender por que ela colocaria ela e seu trabalho no mesmo centro das atenções. Blahnik tem uma boa conversa. Ele não anda em suas bombas. Mas Rhodes, que muitas vezes parece uma foto de Wassily Kandinsky com as pernas, sempre usou sua costura. E era tão colorido que às vezes você podia ouvir as cores antes de vê-las.
Mas Zandra, nascida em Kent em 1940, nunca aprendeu a costurar. Em vez disso, estudou design têxtil e, enquanto seus amigos comemoravam nos anos 60, Rhodes trabalhava como um maníaco. Ela ainda está ocupada das seis da manhã até tarde da noite. Naquela época, seus padrões e cores já eram radicais, dinâmicos, novos. Somente ninguém poderia ou queria trabalhar com isso. Por necessidade, Zandra projetou suas próprias roupas, abriu sua primeira loja em 1969 com 1.000 libras, um empréstimo da atriz Vanessa Redgrave. Ela projetou túnicas de jersey com costuras abertas que assimetricamente liberaram um tórax. Suas criações tinham buracos e eram decoradas com correntes de prata. Muito antes de Versace, ela usou alfinetes de segurança como jóias. Ela também foi a primeira a colocar as costuras para fora. Seda cortada. Hems desfiadas e emplumadas. Mais tarde, isso foi chamado de desconstrutivismo. Sua maquiagem parecia uma capa de álbum da New Wave: pele pálida, cores vivas, cores pintadas com precisão, três sobrancelhas ziguezagueando uma sobre a outra ou nenhuma.
Quando a "Vogue" americana escreveu em 1978 que Zandra Rhodes era a rainha do punk, Vivienne Westwood e Malcolm McLaren estavam bastante aborrecidas porque era verdade. A gramática de cores e formas era o código de seu mundo de pensamento no qual todos os resumos se tornavam concretos. Pode ser uma coisa mundana, um gesto, como cortar um buraco no vestido no lugar certo.
Os modelos antigos de Rhodes agora são comercializados como quadros, suas roupas vintage podem custar alguns milhares de libras. Os colecionadores: pessoas como Kate Moss e Tom Ford, mas o estilo de Rhodes não é ontem. É a busca constante pelo presente, pela originalidade, pelo agora. "Eu pareço assim porque não suporto ser comparada a ninguém", ela disse uma vez para si mesma. Outros afirmam que ela é a "Rainha Élfica dos Gossen Boys", uma "libélula", "um palhaço que se parece com a Grande Barreira de Corais em um dia ocupado". Uma vez ela revelou como lidar melhor com essas pessoas: "Mantenha os olhos no infinito e espere até que parem de olhar".
Mary Quant: "Os adultos são terríveis, as crianças são livres".
Em 1955, as mulheres eram financeiramente dependentes da Inglaterra. O que eles usavam era para deixar seus maridos felizes. Eles finalmente pagaram também. A silhueta de muitas mulheres naquela época lembrava um aperto no meio do balão: peito, cintura de vespa, pélvis. Materna era sexy. A fêmea era macia. Point. Para os adolescentes, havia apenas uma escolha: parecer com pais pequenos - o puro horror, a estudante de arte galesa Mary Quant disse: "Nada estava lá para mim, nada era meu".
Maria queria ser diferente. Ela começou a desenhar suas próprias roupas e abriu uma butique em Londres. Mary não tinha ideia sobre a loja, mas ela se divertiu. Isso infectou os clientes. As roupas de Quants eram como Mary: infantis. Inocente. Carefree. Era uma moda para garotas magras que pareciam Peter Pan, só que os fregueses não eram garotos, mas mulheres de verdade, o que tornava esse novo estilo ultrajante e escandalosamente sexy.
Quando Quant inventou a minissaia no início dos anos 60, as pessoas responderam entusiasticamente. E indignado. Homens protestaram na frente de sua loja. Na verdade, uma rebelião anã cansada. O poder sobre o guarda-roupa de suas mulheres há muito tempo havia perdido os homens em 1961. As mulheres agora tomavam a pílula, ganhavam dinheiro e compravam o que gostavam. Eles não queriam um bolo, queriam comer a vida. E Mary Quant estava lá para vesti-la. Ela mesma parecia um Bambi magro com olhos de coruja, era criativa, eficiente, inteligente, corajosa e livre. O que os outros achavam que era culpa dela. Como Mary, suas modelos usavam cortes de cabelo precisos de Vidal Sassoon, tão precisos e modernos quanto um Mondrian, e agonizavam nas pernas finas como flamingos assustados. Esta pose de X-legged tornou-se mundialmente famosa.
"Os adultos são terríveis, as crianças são livres e saudáveis", disse Mary Quant. Mais tarde, ela trouxe maquiagem à prova de sexo, lançou uma linha de cosméticos e vendeu acessórios com seu logotipo, uma margarida. Há alguns anos, uma jornalista perguntou a 74 anos por que ela ainda trabalhava. Ela olhou para a mulher como se ela fosse um pouco tola e respondeu: "Mas é divertido!"
Iris Apfel: "Eu gosto de carregar uma sobre a outra como os chefes navajos".
Quando o estilo de uma mulher parece colorido, as pessoas a chamam de "pavão", "papagaio" ou "ave-do-paraíso". Se ele é especial, eles a chamam de um pássaro raro. A senhora nova-iorquina Iris Apfel é uma das que fundou o Museu Metropolitano de Nova York em 2005, porque a exposição que ela dedicou a ela se chamava "Rara Avis", ou "pássaro raro" em alemão.
O curador queria emprestar apenas a coleção de joias de fantasia Iris. Na conversa, ela havia proposto uma roupa para ele. Uma roupa se transformou em duas, depois três e, no final, metade do guarda-roupa de 84 anos foi para a coleção - 82 modelos, 300 acessórios comprados, usados e, acima de tudo, mantidos em 50 anos. A exposição foi um triunfo. Karl Lagerfeld veio duas vezes. Ralph Lauren ofereceu-lhe um emprego. Fendi e Armani alegaram que não havia um estilo tão engenhoso desde Diana Vreeland, ex-chefe da Vogue. O estilo de Iris Apfel é bem simples: ela carrega sua vida.
Dono de uma empresa de materiais raros, Iris Apfel viajou pelo mundo nos anos 50 para encontrar tecidos, tecelões e artesãos. Ela havia comprado jóias de coral, âmbar, prata e madeira. Muitas vezes a jóia étnica era enorme e volumosa. "Discreto não é para mim, eu gosto de carregar tudo um sobre o outro como os chefes navajos", ela disse uma vez. Ela comprou no Greenwich Village dos anos 30, na Paris dos anos 50, nos mercados de Istambul, Cairo e Marrakech, visitou os designers de jóias que abasteciam Chanel, Givenchy e St. Laurent. Mostrou-lhes desenhos de antigas jóias indianas e perguntou se poderiam copiá-la, como uma farsa.
"Quando alguém diz: 'Tome uma parte a menos'", diz Iris Apfel, que às vezes usa mais de 20 pulseiras em um braço, "Eu acrescento mais uma." Iris Apfel mistura cores, eras e trajes campestres como se não há tempo nem fronteiras entre os mundos, os países e as pessoas. Alguns chamam isso de Mix 'n' Match. Outro paradoxo Mas o estilo dela não é misturar, é o próprio mixer, é por isso que você não pode simplesmente copiá-la.Cada colar tem uma história, cada pulseira vem de algum lugar, cada pedaço de tecido já disse alguma coisa. "Ela olha para um pedaço de pano e ouve os fios", afirmou o marido. Iris Apfel chama isso de "alquimia individual". Quem encontra quem é jogado de volta em si mesmo e tem a coragem de ficar lá também. Mesmo quando as pessoas começam a falar sobre pássaros raros e estranhos.
